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Art Bonus in Italia: incentivi per il patrimonio culturale

Negli ultimi anni, l’Italia ha introdotto diverse iniziative per promuovere la conservazione e la valorizzazione del suo ricco patrimonio culturale. Tra queste, spicca l’Art Bonus, un’iniziativa governativa volta a incentivare la partecipazione privata nel finanziamento di progetti culturali, e che ha prodotto un impatto significativo sul marketing teatrale e sulla vendita di spettacoli teatrali. Ma cos’è esattamente l’Art Bonus e come funziona?

Cos’è l’Art Bonus?

L’Art Bonus è un’iniziativa istituita nel 2014 con l’obiettivo di incentivare le donazioni private a sostegno della cultura. Consente ai cittadini e alle imprese di destinare una parte delle loro tasse a progetti culturali, ottenendo in cambio vantaggi fiscali significativi.

Come funziona?

Le donazioni effettuate tramite l’Art Bonus sono detraibili o deducibili dall’imposta sul reddito delle persone fisiche o dall’imposta sul reddito delle società. Le donazioni possono essere fatte a sostegno di una vasta gamma di progetti culturali, tra cui il restauro e la conservazione di beni culturali, la promozione di attività culturali e artistiche, e molto altro ancora.

Quali interventi puoi sostenere?

Se l’oggetto della donazione è un Bene Culturale pubblico, l’Art Bonus si applica soltanto alle donazioni in denaro destinate a interventi di restauro, protezione e manutenzione. Nel caso in cui la donazione sia destinata ai soggetti concessionari o affidatari di beni culturali pubblici, l’Art Bonus si applica solo se la donazione è indirizzata a interventi di manutenzione, protezione e restauro di un bene pubblico.

Se la donazione è destinata a Istituti e Luoghi della cultura di appartenenza pubblica come musei, biblioteche, archivi, parchi e aree archeologiche, complessi monumentali, alle fondazioni lirico-sinfoniche e ai Teatri di tradizione, nonché alle Istituzioni concertistico-orchestrali, ai Teatri nazionali, ai Teatri di rilevante interesse culturale, ai Festival, alle imprese e ai centri di produzione teatrale e di danza, così come ai circuiti di distribuzione, ai complessi strumentali, alle società concertistiche e corali, ai circhi e agli spettacoli viaggianti, l’Art Bonus si applica solo alle erogazioni liberali destinate a interventi di sostegno.

Se la donazione è destinata a Enti o Istituzioni pubbliche che operano senza fini di lucro e si dedicano esclusivamente all’ambito dello spettacolo (come, ad esempio, Teatri Comunali), l’Art Bonus si applica solo nel caso in cui la donazione sia finalizzata alla realizzazione di nuove strutture, al restauro o al potenziamento di quelle già esistenti.

Vantaggi fiscali per le donazioni culturali

Una delle principali attrattive dell’Art Bonus sono i vantaggi fiscali offerti alle donazioni. Le persone fisiche possono beneficiare di una detrazione fiscale fino al 65% dell’importo donato, fino a un massimo di 30.000 euro annui. Le imprese, d’altra parte, possono dedurre le donazioni fino al 65% del proprio reddito imponibile o dell’Irap, con un limite massimo del 10% del reddito imponibile. Questo sistema di incentivi fiscali rende le donazioni con Art Bonus estremamente convenienti e attraenti per coloro che desiderano sostenere l’arte e la cultura.

Benefici per la cultura e la società

L’Art Bonus ha avuto un impatto significativo sulla cultura italiana, consentendo il finanziamento di progetti culturali altrimenti difficilmente realizzabili. Grazie a questa iniziativa, molti siti storici, musei, teatri e altre istituzioni culturali hanno potuto essere restaurati, ampliati e resi accessibili a un pubblico più ampio. Inoltre, l’Art Bonus ha contribuito a promuovere il coinvolgimento del settore privato nel sostegno alla cultura, creando un legame più stretto tra imprese, cittadini e patrimonio culturale.

A cosa si ispira la formula di Art Bonus?

Art Bonus prende spunto dal mecenatismo. Il mecenatismo ha radici antiche, risalenti all’antica Roma e Grecia, ma il suo apice è stato nel Rinascimento. Qui, mecenati come i Medici a Firenze o i Borgia a Roma, hanno sostenuto artisti come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello, consentendo loro di creare opere iconiche. Nel Rinascimento il mecenatismo non era solo un atto di generosità, ma un modo per dimostrare potere e prestigio.

Il modello di mecenatismo al quale si fa riferimento con Art Bonus è di spunto anglosassone. 
Il mecenatismo anglosassone nel Novecento ha visto un’evoluzione significativa, passando da un modello tradizionale di mecenatismo aristocratico a un sostegno più diffuso proveniente da individui, fondazioni e aziende. Nel corso del secolo, il mecenatismo è diventato sempre più importante per finanziare le arti, la cultura e la ricerca in paesi come gli Stati Uniti e il Regno Unito.

Nonostante le radici profonde in cui affonda il mecenatismo in Italia, però, nel Novecento questa forma di sostegno alla cultura si è andata mano a mano perdendo, sostituita dalle forme di finanziamento pubblico.

Promuovere il coinvolgimento dei privati e delle aziende nella cultura

L’introduzione dell’Art Bonus ha permesso di tornare a coinvolgere i sostenitori privati secondo il modello anglosassone, pur mantenendo centrale il supporto da parte delle istituzioni.
Le imprese possono ora beneficiare di vantaggi fiscali significativi per le donazioni a progetti culturali, incentivando così un maggiore coinvolgimento nel finanziamento e nella promozione della cultura. Questo ha creato un legame più stretto tra imprese, cittadini e patrimonio culturale italiano, garantendo nel contempo la conservazione e la valorizzazione del ricco patrimonio culturale del paese.

Perché donare con Art Bonus

Le donazioni con Art Bonus non solo favoriscono direttamente le istituzioni culturali e artistiche, ma hanno anche un impatto positivo sulla comunità e sulla società nel suo complesso. Sostenere la cultura significa promuovere la creatività, la diversità culturale e l’inclusione sociale. Inoltre, il sostegno finanziario alle attività culturali può contribuire alla creazione di posti di lavoro nel settore artistico e culturale, stimolare il turismo culturale e migliorare la qualità della vita nelle comunità locali.

Perché scegliere Art Bonus

In conclusione, l’Art Bonus rappresenta un importante strumento per la salvaguardia e la valorizzazione del patrimonio culturale italiano. Attraverso l’incoraggiamento delle donazioni private e il sostegno del settore privato, questa iniziativa ha contribuito a sostenere numerosi progetti culturali, garantendo nel contempo vantaggi fiscali significativi ai donatori. Continuare a promuovere e potenziare l’Art Bonus è essenziale per preservare la ricchezza culturale del nostro paese e promuovere lo sviluppo sostenibile del settore culturale.

Fai parte di un ente culturale e vuoi scoprire di più su Art Bonus?

Possiamo aiutarti a capire se il tuo ente può usufruirne e, se sì, possiamo ideare insieme la strategia migliore per coinvolgere aziende e privati!

Hai un’azienda o vuoi donare personalmente a un’istituzione culturale tramite Art Bonus?

Ti aiuteremo a scegliere il progetto che più senti vicino e a valorizzare la Responsabilità Culturale della tua realtà!

Il 30 settembre è l’International podcast day.
Sì d’accordo, ormai c’è una giornata per tutto. Ma perché oggi ha senso parlare di podcast in Italia?

Nel nostro Paese gli ascoltatori abituali di podcast sono in continua crescita: nel 2021 ha raggiunto il 28% degli “Internet users”.

Di certo non si tratta di un fenomeno nuovo per il resto del mondo: basti pensare che la parola “podcasting” fu eletta parola dell’anno dal dizionario statunitense New Oxford già nel 2005.
È però negli ultimi anni che è esplosa la “podcast-mania”, con un forte incremento nel periodo del primo lockdown, che non si è più arrestato, a testimonianza del fatto che l’ascolto di podcast si è presto trasformato in un’abitudine consolidata per gli italiani.

Il 68% degli ascoltatori di podcast rientra nella fascia d’età tra i 18 e i 34 anni.

Si tratta, però, di un fenomeno che sembra destinato a crescere. Giusto per fornire un altro dato, oltre il 55% degli over 55 ascolta podcast abitualmente.
Inoltre il 39% degli italiani dice di non conoscere ancora questo tipo di servizio ma potrebbe esserne interessato.*

*dati della ricerca United States of Podcast di Nielsen e Audible presentata a Milano a novembre 2020, riportata da Askanews

La prima motivazione che spinge un utente ad ascoltare podcast è la voglia di informarsi e approfondire un tema quando e dove vuole.

Ma non solo: l’ascolto di podcast può rappresentare anche un momento di relax o di crescita personale con la scoperta di nuovi contenuti.

Basta dare un’occhiata ai maggiori siti di podcast per averne una conferma: tra i più ascoltati troviamo programmi di mindfulness, approfondimenti su fatti storici o attualità e intrattenimento.
Quest’ultimo è l’aspetto più interessante per noi di Cultura e digitale.

Al momento in Italia si stanno percorrendo due strade:

1. progetti collaterali di artisti o programmi con un forte successo in altre piattaforme (Tv, radio, social network, etc.) che propongono contenuti extra rispetto a quelli che si possono trovare nei loro canali “ufficiali”. In questo caso il podcast non vive di vita propria ma diventa un contenuto aggiuntivo, una “bonus track” del progetto principale;
2. creazione di contenuti originali in un format forse più simile a quello dell’audiolibro che di un vero e proprio podcast.

Chi lavora nella cultura conosce bene la scarsità di mezzi (tecnici ed economici) che si hanno a disposizione per proporre delle soluzioni promozionali al posso coi tempi.
La maggior parte delle energie, infatti, deve essere spesa per la produzione dell’esperienza artistica e chi, come noi, si occupa di marketing e promozione, deve ingegnarsi per comunicare in modo efficace con pochi mezzi.

I podcast possono essere una buona soluzione per diversi motivi:

La pandemia non ha trasformato solo il mondo offline ma anche quello online.
Nascono nuovi social (primo fra tutti Club House) e ne crescono altri che sembravano relegati a una nicchia di utenti (pensiamo a Pinterest o Twitch).
I grandi colossi si adeguano ai tempi, passando da luogo di promozione degli eventi a vero e proprio palcoscenico.
Facebook, per esempio, da qualche mese permette di realizzare dirette streaming a pagamento (Paid Online Events).

In Italia, tranne nella breve parentesi estiva, lo spettacolo dal vivo è fermo da oltre un anno. Abbiamo già visto in questo post come il mondo della cultura sia stato capace di guardare alla pandemia come a un’opportunità per aprirsi al digital. 

Per generare entrate con gli stream, però, finora l’unica strada era quella delle webTv: crearne una propria e promuoverla attraverso i canali classici, sia online che offline.

Anche YouTube permette di creare contenuti a pagamento, direte voi. E avete ragione… ma YouTube ha delle regole molto rigide.
Innanzitutto non tutti i canali YouTube possono realizzare contenuti a pagamento.
Quali canali sono abilitati? Quelli che rientrano nel programma partner per la monetizzazione.
Come si diventa partner di YouTube? Con oltre 4000 ore di visualizzazione pubbliche valide negli ultimi 12 mesi e almeno 1000 iscritti al canale.

Proprio perché, come dicevamo, molti luoghi della cultura hanno scoperto il digital nel periodo pandemico, non è detto che i loro canali superino questi numeri e che, quindi, siano in grado di monetizzare il proprio video su YouTube.

Facciamo un’ulteriore precisazione sul termine monetizzare: YouTube lo usa sia nel caso in cui il video contenga contenuti pubblicitari che, quindi, generano un’entrata al canale, sia nel caso di noleggio o vendita di un video.
Tecnicamente, infatti, un’altra differenza con la stessa funzione di Facebook è che YouTube permette il noleggio o la vendita del contenuto: non si parla quindi di pagamento del biglietto assistere a uno spettacolo.
È una differenza che potrebbe sembrare solo sostanziale o tecnica (on demand vs streaming) ma importante da sottolineare nel mondo della cultura.

1. tutte le pagine possono pubblicare video a pagamento: basta solamente rispettare i termini per la monetizzazione di cui parleremo più approfonditamente;
2. è tutto in una sola piattaforma: puoi creare, promuovere, vendere biglietti e organizzare il tuo evento in un unico posto;
3. fino al 30/06/2021 i creator trattengono il 100% dei ricavi e gli organizzatori non pagano nessuna commissione (meno le imposte applicabili), a eccezione dei gaming creator.

Dobbiamo, però, prestare attenzione a due cose:

1. le modalità di versamento sul conto da parte di Facebook: riceverai i pagamenti una volta al mese dopo aver superato il saldo minimo di 100 dollari. Se alla fine del mese è inferiore a 100 dollari, il saldo accumulato sarà conservato per il mese successivo finché non raggiungerà la soglia minima per il pagamento;
2. l’inserimento di contenuti protetti da SIAE senza averne i diritti può portare alla rimozione del contenuto e al rimborso automatico degli utenti.
   L’accordo siglato da SIAE con YouTube e Facebook, infatti, permette lo streaming di eventi e l’utilizzo di contenuti musicali sulle proprie pagine solo nel caso in cui questi siano gratuiti e senza introiti a titolo di contributo, sovvenzione, sponsorizzazione o pubblicità.

Accedi a questo link, seleziona la pagina che vuoi usare, accetta le condizioni d’uso e, se non l’hai già fatto, configura un account per i pagamenti.
Una volta completati i passaggi la Pagina potrebbe essere sottoposta a una procedura di revisione per assicurarsi che soddisfi le normative sulla monetizzazione per i partner. Se la Pagina non soddisfa le normative riceverai una notifica tramite e-mail.

Facebook permette comunque di creare eventi a pagamento senza aver completato la configurazione dell’account, che può essere finalizzata successivamente, entro 6 mesi dall’inizio della configurazione. Superato il limite di tempo massimo perderai i tuoi guadagni.

L’interfaccia di creazione è molto simile a quella di un classico evento:

“Stanze italiane” è l’ultimo progetto a cui abbiamo collaborato: un nuovo museo virtuale per l’Istituto Italiano di Cultura di New York, con contenuti multimediali pensati per veicolare la cultura italiana nel mondo. Ecco come è stato creato

Un nuovo museo digitale ha aperto i battenti: sono nate le “Stanze Italiane”!

Negli ultimi mesi abbiamo collaborato a un per l’Istituto Italiano di Cultura di New York. L’idea – dell’italianista Fabio Finotti, il nuovo direttore della sede statunitense – era quella di creare uno spazio virtuale, digitale, ma ispirato alla cultura tipicamente italiana e umanista delle “stanze”.

In che senso “stanze”?

La parola “stanza” deriva dal latino stans stantis, “stare”, “star fermo”. Ma le stanze sono anche le strofe di una poesia. E da una strofa all’altra noi ci muoviamo, per comprenderne appieno il senso, così come nelle nostre case (specialmente in lockdown) ci spostiamo da una stanza a quella attigua. La stessa cosa accade nei musei, digitali o fisici che siano.

“Stanze italiane” è dunque un museo virtuale vero e proprio, costituito da diverse stanze tematiche.

Internet è un paesaggio che non dobbiamo utilizzare come un semplice magazzino o un deposito nel quale scaricare alla rinfusa dei contenuti. È, invece, uno spazio che va disegnato con il gusto e lo stile italiano, costruendo edifici virtuali che abbiano la stessa eleganza e fruibilità di quelli reali. […] In questo spazio – articolato e accogliente come una casa – gli amanti della cultura italiana potranno trovare ciò che cercano: memoria e innovazione, dialoghi e approfondimenti che intrecciano passato e futuro. – Fabio Finotti

Gli 82 Istituti Italiani di Cultura (IIC) nel mondo sono organi del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale (MAECI). Il loro scopo è promuovere all’estero l’immagine dell’Italia e la sua cultura umanistica e scientifica: per far questo collaborano con le principali istituzioni culturali del paese in cui operano. Fra le loro attività, l’organizzazione di corsi di lingua e cultura italiana, la gestione di archivi e biblioteche e la promozione del dialogo fra gli operatori culturali italiani e stranieri. 

L’Istituto Italiano di Cultura di New York è stato istituito nel 1961 e ha sede al 686 di Park Avenue, in una palazzina neo-georgiana del 1919 progettata dagli architetti W.A. Delano & C.H. Aldrich e collegata al Consolato Italiano da una terrazza. La biblioteca  dell’Istituto, dedicata a Lorenzo Da Ponte, è attualmente costituita da più di trentamila volumi.

L’esigenza di costruire un vero e proprio museo digitale nasce dalla volontà di portare la cultura italiana negli Stati Uniti e nel mondo e, contemporaneamente, di portare gli Stati Uniti e il mondo in Italia, “riunendo” virtualmente nella stessa stanza (per l’appunto!) chi ha radici italiane e chi ha, semplicemente, una grande passione per la nostra cultura. «Le Stanze italiane – ha dichiarato Fabio Finotti – permetteranno di sperimentare la ricchezza e la bellezza della nostra ospitalità».

Il museo virtuale dell’Istituto Italiano di Cultura di New York sarà composto da dieci stanze tematiche (ma la natura stessa del progetto apre ad ampliamenti futuri).

E cosa conterranno queste “stanze”?

Contenuti multimediali come animazioni, video, interviste, immagini realizzati appositamente, alcuni in anteprima mondiale; tutto raccontato visivamente con uno storytelling digitale che permette la navigazione di immagini ad alta risoluzione, trasformate in mappe dei contenuti testuali e audiovisivi di ciascuna stanza.

Graficamente, l’iconografia del sito è costruita attraverso alcune immagini simbolo dell’Italia e del suo rapporto con la Grande Mela, rese disponibili da musei, fondazioni, istituzioni e collezioni private. Fra queste la Galleria nazionale delle Marche, Casa Leopardi, la Fondazione Renzo Piano, il MART di Trento e Rovereto. Come in ogni museo digitale che si rispetti non può mancare la musica: nelle Stanza Italiane il commento sonoro è affidato a brani appartenenti a ogni genere e a ogni epoca musicale, legati ai diversi temi delle Stanze e accomunati da un legame con l’Italia.

Tutte le stanze del sono state create con una piattaforma multidisciplinare specializzata nel racconto interattivo, scelta già da alcuni grandi musei virtuali come quelli creati dal Van Gogh Museum e dal Rijksmuseum di Amsterdam e dal Museum of Natural History di Stoccolma. Il sistema operativo permette di connettersi con il pubblico in modo coinvolgente attraverso:

Uno degli angoli della Stanza di Dante, dedicato alla mostra “Dante ipermoderno”

Le “Stanze italiane” che verranno aperte nei primi mesi sono dieci. Sono già visitabili le prime tre:

Atrio
Dedicata all’Istituto, alla sua storia, al rapporto con New York. Contiene una serie di immagini storiche dell’edificio georgiano di New York che ospita l’Istituto dagli anni Sessanta del Novecento.

Stanza di Dante
Dedicata al Sommo Poeta, aperta in onore del Dantedì 2021 (il 25 marzo, data d’inizio del viaggio ultraterreno del Sommo Poeta attraverso l’Inferno, il Purgatorio e il Paradiso). La “Stanza di Dante” svelerà una serie di tesori come “Dante ‘prezioso’ 1321-2021”, una spilla in oro, smalto e brillanti disegnata dall’artista Mimmo Paladino e realizzata dal designer Cleto Munari, nuovo oggetto creato per le celebrazioni di quest’anno e mostrato qui in anteprima. Oltre alle immagini del gioiello, ci saranno un’intervista agli autori moderata da Alba Cappellieri (direttrice del Museo del gioiello di Vicenza e docente del Politecnico di Milano), testi di approfondimento, immagini dei bozzetti. Altro contenuto della “Stanza di Dante” è una video conversazione di Fabio Finotti con Giorgio Bacci, docente di Storia dell’Arte Contemporanea dell’Università di Firenze e curatore della mostra “Dante Ipermoderno. Illustrazioni dantesche nel mondo 1983-2021”, che da aprile comincerà un tour espositivo presso alcuni istituti Italiani di Cultura, come quelli di Mosca e Londra. Terzo pannello di questa “Stanza” è una video conversazione del direttore Finotti con Leonardo Frigo, giovane artista italiano residente a Londra che descrive la sua ultima creazione “Dante Alighieri Inferno” dedicata alla prima Cantica della Commedia: 33 violini e un violoncello interamente decorati da disegni ad inchiostro che illustrano i singoli Canti.

Stoà
il portico, luogo d’incontro, passaggio e sguardo dall’interno verso l’esterno e viceversa, ispirato al “portego” che collegava tutte le stanzedelle case veneziane. A inaugurarla un video intitolato Per riveder le stelle – Una serata tra musiche e poesie, abbassando le luci, realizzato in collaborazione con il Teatro Rossetti di Trieste diretto da Paolo Valerio in occasione dell’iniziativa di Rai Radio2 “M’illumino di meno”. Prossimamente sarà disponibile una conversazione dedicata alla “Musica migrante” con Luca D’Ambrosio (blogger di musicletter.it), Umberto Marin (fondatore di Time for Africa) e alcuni musicisti, come Kora Hero, che hanno saputo intrecciare la tradizione musicale dei loro paesi di origine con le suggestioni di quella italiana e europea. Nell’Atrio saranno presto visibili documenti audiovisivi raccolti grazie alla collaborazione con RAI Italia.

Prossimamente saranno aperte:

Galleria
Per conoscere personaggi e opere dell’arte italiana o legata all’Italia, con conversazioni dedicate a opere iconiche della contemporaneità con la storica dell’arte Laura Mattioli in collaborazione con il CIMA. Center for Italian Modern Art di New York. E ancora, gli incontri con artisti come Ezio Gribaudo curato da Victoria Surliuga (docente di Italian Studies presso la Texas Tech University di Lubbock)

Auditorium
Uno spazio per il cinema, i concerti musicali, la televisione e tutte le forme di produzione audiovisiva fino a internet.

Caminetto
Per i dialoghi più intimi su personaggi e libri che uniscono le due sponde dell’Oceano.

Biblioteca
Per celebrare i tesori della lingua italiana.

Officina del design
Dedicata al made in Italy.

Children’s Corner
Uno spazio progettato per i più piccoli.

Horti
Per non dimenticare l’invenzione del paesaggio italiano.

Il progetto prevede un futuro ampliamento con altre Stanze come la “Cucina”, il “Guardaroba”, il “Garage”, la “Palestra” e la “Soffitta”.

Visita le Stanze Italiane

Ovvero: come abbiamo portato in scena una rassegna operistica in pieno lockdown grazie al live streaming

È successo davvero e possiamo testimoniarlo: un festival d’opera può sopravvivere (e, anzi, godere di ottima salute) anche se “trapiantato” online. Vi raccontiamo la nostra esperienza con la Web TV del festival Donizetti Opera.

Lo scorso 24 settembre annunciavamo sui social che il festival Donizetti Opera di Bergamo, previsto per fine novembre, confermava il programma dell’edizione 2020. Con qualche modifica dovuta alle ultime norme di contenimento del Covid-19, ma comunque in presenza, e per di più nel Teatro Donizetti finalmente restaurato.

Esattamente un mese dopo, il 24 ottobre, veniva pubblicato un nuovo DPCM: i teatri avrebbero chiuso un’altra volta i battenti. La prima era fissata per appena tre settimane dopo.

Il team di Cultura e Digitale stava già lavorando a una Web TV per il festival, perciò la decisione è stata naturale: il festival sarebbe andato in scena, ma in streaming.

Com’è andata ce lo hanno detto i numeri (e ve lo racconteremo nelle prossime righe).

Belisario – © Gianfranco Rota

Il programma diffuso il 24 settembre è rimasto sostanzialmente invariato, con tre titoli di Gaetano Donizetti: Marino Faliero, Le nozze in villa e Belisario. Ciascuna opera è stata trasmessa in live streaming nelle serate delle rispettive prime (il 20, 21 e 22 novembre) ed è tuttora disponibile per la visione on demand. A queste opere si è aggiunto il concerto GaetAMO Bergamo, presentato da Cristina Parodi e dal direttore artistico Francesco Micheli.

Tutto qui?

I contenuti speciali

Nell’ottica di arricchire il palinsesto – perché ormai di palinsesto si stava parlando – sono stati creati nuovi contenuti. Abbiamo ampliato la rubrica video #ParlaConGaetano (che aveva finora sempre viaggiato sui canali social) e Francesco Micheli ha registrato una speciale edizione del format divulgativo Donizetti Revolution, solitamente live, stavolta fruibile in streaming. Più legato al tema delicato della pandemia il contenuto speciale Dal dolore alla rinascita, che ha completato l’offerta della Web TV.

E quindi: come abbiamo trasferito tutto questo online? Come si restituisce in streaming l’emozione dell’opera dal vivo? Come si “costruisce”, all’atto pratico, una Web TV?

Vediamolo insieme.

Anche per il Donizetti Opera ci siamo affidati alla piattaforma Uscreen, già utilizzata per il Festival della Valle d’Itria, di cui abbiamo parlato più ampiamente in questo articolo.

Le riprese sono state eseguite da RAI (per Marino Faliero, andato in onda contemporaneamente anche su Rai5 e su Rai Radio 3) e Dynamic Opera and Classical Music (Belisario e Le nozze in villa).

Quando si registra un’opera la modalità non è la stessa di quando si gira un film. La ripresa avviene in un solo take: l’opera va in scena dall’inizio alla fine, con intervalli e cambi di scena, proprio come se ci fosse il pubblico in sala. Ovviamente ciò non vuol dire che la ripresa sia fissa: il risultato sarà comunque un montaggio di primi piani e inquadrature d’insieme.

In streaming funzionano poco le regie tradizionali, c’è bisogno di soluzioni più cinematografiche: su questo c’è molto da lavorare. Ci troviamo davanti a un territorio nuovo, tutto da esplorare.

– Andrea Compagnucci nell’intervista dell’8 gennaio 2021 per il Corriere della Sera

Dal momento che in sala non c’era pubblico tutte le scenografie sono state allestite in platea, mentre l’orchestra è stata sistemata sul palcoscenico.

 Nelle serate di live streaming il service ha trasmesso contemporaneamente due diverse regie video: su un canale della Web TV andava in onda la registrazione dell’opera integrale, su un altro il talk show “Citofonare Gaetano” (di cui parleremo più avanti), che veniva trasmesso in diretta con periodiche pause per mostrare le scene salienti dello spettacolo.

Un altro aspetto in comune con un normale messa in scena a teatro è la presenza dei direttori di scena che dettano i tempi. In questo caso i direttori erano collegati con la regia e con i presentatori di “Citofonare Gaetano”, che avvertivano quando si avvicinava una scena dell’opera che sarebbe stata trasmessa in onda.

Diego Passoni, Cristina Bugatty, Francesco Micheli e Alberto Mattioli – © Gianfranco Rota

La domanda che ci siamo posti, quando ci siamo trovati ad organizzare un festival interamente online, è stata: come si fa a restituire la dimensione sociale di una serata a teatro?

Un aspetto che in molti faticano ancora ad accettare, ma che noi abbiamo lottato per affermare, è che la Web TV non è un arido contenitore di video: è a tutti gli effetti un ambiente di aggregazione e come tale deve essere impostato. Non si tratta soltanto di assistere a uno spettacolo, ma di applaudire, fischiare, commentare. La missione era ricreare l’atmosfera tipica del teatro, quando si attende con ansia l’intervallo per incontrarsi nel foyer e scambiarsi le prime impressioni.

Per restituire quanto più calore possibile alle dirette streaming, nelle serate delle prime, abbiamo scelto due strumenti. Il primo è stato l’uso della live chat di Uscreen, con una stanza dedicata a ciascuna opera in onda. Gli utenti hanno così avuto la possibilità di esternare opinioni e informazioni, commentando insieme ciò che vedevano in diretta, proprio come se condividessero una grande platea. La partecipazione è stata entusiastica, con oltre 800 interventi soltanto durante la prima di Marino Faliero.

E poi c’è stato “Citofonare Gaetano“, il talk show in diretta dove a fare gli onori di casa era il Francesco Micheli. Con lui il giornalista Alberto Mattioli, dramaturg del festival Donizetti Opera, e due presentatori d’eccezione come Diego Passoni e Cristina Bugatty.

Il compito dei presentatori non si limitava a commentare l’opera in scena e svelarne le curiosità. C’è stato spazio per piccole performance, giochi in diretta e persino spuntini a tema: baccalà alla veneziana per Marino Faliero, cucina mediorientale per Belisario e una sontuosa torta nuziale per Le nozze in villa. La social media manager presente nello studio proponeva ai presentatori i commenti più interessanti della live chat come spunto di conversazione.

Non sono mancati gli ospiti, alcuni in carne e ossa, altri da remoto. Per Marino Faliero il cantante Michele Pertusi si è collegato dai camerini; durante la trasmissione delle Nozze in villa lo studio ha ospitato Elio e Rocco Tanica, mentre il direttore Enrico Melozzi si è collegato in videochiamata (i tre, in veste di compositori contemporanei, hanno eseguito il “rammendo” di un brano della partitura andato perduto).

Certamente è mancato l’odore del teatro, la sensazione al tatto del velluto delle poltrone, l’emozione delle luci che si abbassano in sala. Tutto il resto, in qualche modo, c’era.

Marino Faliero – © Gianfranco Rota

Solitamente, quando si tratta di tirare le somme alla fine di un festival operistico, contiamo le presenze fisiche e il numero di biglietti venduti.

Ma quest’anno gli spettacoli del Donizetti Opera sono andati in scena in un teatro vuoto, per una platea virtuale e “diffusa”. I dati sono perciò molto diversi – e molto più interessanti – da quelli a cui siamo abituati.

Il festival ha totalizzato più di 11mila presenze. Questo, almeno, è il numero che ci restituiscono le statistiche di Uscreen: se si pensa che ad ogni abbonamento o biglietto corrispondono in media due persone che guardano dallo stesso terminale, le presenze reali sono, molto probabilmente, doppie. Le presenze a Bergamo nel 2019 erano state 10.293.

3.000 gli iscritti, di cui 2.200 abbonati a tutti i contenuti video, e 83 i giornalisti accreditati.

In totale, nel momento in cui scriviamo, la Web TV del Donizetti Opera ha raggiunto 82.874 minuti di visualizzazione (pari a 1.381 ore e a circa 58 giorni). Il record lo conquista la serata del 22 novembre, la prima de Le nozze in villa, con più di 9.000 minuti di visualizzazione. A queste presenze vanno aggiunte quelle su Rai5 (dove è andato in onda Marino Faliero la sera del 20 novembre) e Rai Play.

Le nozze in villa – © Gianfranco Rota

Se nel 2019 gli spettatori provenivano sì da 33 diversi Paesi, ma in ampia percentuale dalla Germania (o comunque dall’Europa), quest’anno il numero dei Paesi di provenienza è salito a 41, con presenze da USA, Giappone, Russia, Puerto Rico, Bolivia, Hong Kong, Paraguay, Israele, Australia, Sud Africa e Nicaragua. Fra gli spettatori anche qualche nome illustre: il caso più emblematico è stato il tenore Plácido Domingo, che ha acquistato un biglietto per Belisario (dove avrebbe dovuto ricoprire il ruolo principale) e inviato i suoi complimenti ai cantanti in scena.

Molti di coloro che avevano già acquistato un biglietto o un abbonamento hanno aderito alla campagna #iorinuncioalrimborso, donando al festival la cifra spesa e diventando così ufficialmente donors.

Va detto che molti abbonati hanno preferito convertire i propri titoli d’acquisto non in nuovo abbonamento alla Web TV, ma in un voucher per il 2021 (sperando in un’edizione in presenza). Certamente non è facile abituarsi all’idea di un teatro completamente diversa. D’altra parte, però, la dimensione digitale di questo Donizetti Opera 2020 ha avuto il merito di avvicinare un nuovo pubblico, prima distante per motivi geografici, sociali o generazionali. Quello che era nato come un problema si è trasformato in opportunità.

© Gianfranco Rota

Il tema forse più caldo del teatro in live streaming è quello del prezzo dei titoli.

Giusto: quanto costava un biglietto per il Donizetti Opera 2020?

L’abbonamento 59 euro, una sola opera 30 euro, il concerto di gala 20 euro. Nonostante i costi minori rispetto a un normale biglietto teatrale e nonostante con un solo abbonamento un’intera famiglia potesse assistere agli spettacoli, in molti hanno gridato alla follia.

Non siamo pienamente d’accordo.

Se consideriamo che il Metropolitan di New York per un titolo di Rossini con Juan Diego Florez chiedeva 6 dollari o il San Carlo di Napoli meno di due euro per il recital di Jonas Kaufmann, il risultato è stato qualcosa di clamoroso, e ci ha fatto capire varie questioni, oltre al fatto che quando offri qualcosa di unico e di qualitativamente alto non puoi farlo gratis.

– Andrea Compagnucci nell’intervista dell’8 gennaio 2021 per il Corriere della Sera

Se è così importante che i lavoratori dello spettacolo possano rimanere tali,
se non vogliamo svalutare la cultura in un momento storico così delicato,
se andare in scena ha un costo anche all’interno di un teatro vuoto,
allora davvero riteniamo giusto pagare poco o nulla per una performance di valore?

Lasciamo questa domanda come spunto di riflessione.